hiyomi circle exhibition: ‘The Twenty-Four Solar Terms of the Calendar 2021 - 2026’

 2025年11月7日(金) - 11月30日 (日) 

7 Fri. November - 30 Sun. November, 2025

Closing party: 30 Sun. November 15:00 - 

撮影：守屋友樹

本展はhiyomi circleの2026年カレンダー完成に合わせ、2021年から2026年までの「日読みの二十四節気」カレンダー発行時に各作家が制作しましたオリジナル版画作品を展示いたします。

また、2026年カレンダーの完成をもちまして、hiyomi circleは一つの区切りとして活動を休止いたしますので、ユニット結成時からこれまでの総括として、17年の活動期間中に制作されましたカレンダーも合わせて展示いたします。

hiyomi circleはシルクスクリーン、木版、ドライポイントなどの版画技法を用い、デザイン、紙の質感、印刷にこだわったカレンダーを生み出してきました。

弊ギャラリーでは、2014年に結成5周年の区切りとして、また2016年にも［hiyomi circle］展を開催いたしましたが、今回はその活動の集大成となる展覧会となります。ぜひその結晶をお楽しみください。

撮影：守屋友樹

Artist statement

「二十四節気」は、古くから農業や旬を楽しむ目安として人々の暮らしに寄り添い、季節の移ろいを伝えてきた生活暦です。

hiyomi circleは2021年から、この「二十四節気」をテーマに１年ごとに4作品ずつ、6年間をかけて現代に寄り添うかたちで版画作品として提案してきました。2026年のカレンダー完成にて24作品が揃います。

hiyomi circleは2026年のカレンダー完成をもって活動休止に入ります。「二十四節気」をテーマとした作品と合わせて、活動期間17年間の様々を展示します。

The “Twenty-Four Solar Terms” is a traditional calendar that has long accompanied people's lives, serving as a guide for agriculture and enjoying seasonal produce while conveying the passage of the seasons.

Since 2021, hiyomi circle has proposed print works themed around these “Twenty-Four Solar Terms”, releasing four pieces annually over six years in a form attuned to the modern era. The completion of the 2026 calendar will see all 24 works assembled.

hiyomi circle will enter a hiatus upon the completion of the 2026 calendar. Alongside the works themed around the “Twenty-Four Solar Terms”, we will exhibit a selection from our 17-year activity period.

hiyomi circle

大学で版画を学んだ4人  桐月沙樹、堂東由佳、宮田雪乃、芳木麻里絵で結成されたカレンダーユニットです。

美術作家としてそれぞれに活動をしている4人が、紙の質感、印刷にこだわりカレンダーを作成しています。

ユニット名の由来となった日読みとは昔のカレンダーの呼び方であり、暦を意味します。

またcircleは、円や周期を指し、季節や暦の巡りを表しています。

日を読むというささやかな行いが、日々の生活の素敵なきっかけとなることをコンセプトに活動しています。

A calendar unit formed by four individuals who studied printmaking at university: Saki Kirizuki, Yuka Doutou, Yukino Miyata, and Marie Yoshiki.

The four, each active as fine artists in their own right, create calendars with a particular focus on paper texture and printing.

The unit name originates from “hiyomi”, an old term for calendar meaning “reading the days”.

“Circle” signifies a circle or cycle, representing the passage of seasons and the calendar year.

Our concept is that the simple act of reading the days can become a delightful catalyst for daily life.

 Hirokazu Fukunishi  "Still Life Collection - through a certain uncertainty "

 2025年9月26日(金) - 10月19日 (日) 

26 Fri. September - 19 Sun. October, 2025

Sound effects: Kazuto Yokokura

19 Sun. October, 14:00 - 17:00

27 Sat. September, 14:00 - 17:00 

 GALLERY IND.では、福西広和によります弊ギャラリーでの8回目の新作写真展「静物集 -  或る未確定な《余地》を介して 」を開催いたします。

本展では、それは反復する、透過された光、幻想、額縁のある静物、時間の渦、不確かな連続性と題された6つのモノクロ銀塩写真シリーズから作品を抜粋して展示いたします。

それぞれ異なる時を重ねてきたモチーフたちをテーブル上に配し、一つ一つのものやその固有の特性に光をあてながら、そこにある抽象的な本質を画面全体へと転化させているシリーズ作品です。

現像プリントは前回同様、モノクロ写真専門に長年の経験を有する勢井正一氏による卓越した暗室技術によるものです。写真家と暗室技師の協働によるシャープで繊細な画面の数々をぜひご高覧ください。

また、9月27日(土)、10月19日(日)には、アンビエント、インダストリアル、テクノなどの音楽制作、ライブ活動を行っているKazuto Yokokuraさんによる音響が展示空間に加わりますのでそちらの方もぜひお楽しみください。

GALLERY IND. is pleased to present “Still Life Collection - through a certain uncertainty”, the eighth exhibition of new works by Hirokazu Fukunishi at our gallery.

The exhibition will feature six series of gelatin silver photographs that Fukunishi has been working on in recent years; It repeats itself, Transmitted light, Illusion, Still life with a picture frame, Time vortex, and Uncertain continuity.

These series of works arrange motifs that have accumulated different times on a table, highlighting each object and its unique characteristics, and transforming the abstract essence found there into the entire screen.

As with the previous exhibition, the prints are the result of the exceptional darkroom techniques of Masakazu Sei, who has many years of experience specialising in black-and-white photography. Please enjoy the sharp and delicate images created through the collaboration between the photographer and the darkroom technician.

From around 2:00 p.m. on Saturday, 27 September, and Sunday, 19 October, Kazuto Yokokura will be adding sound to the exhibition space, so please enjoy that as well.

- Artist Statement

  写真家として、画家のように主題(motif)から、様々な要素を抽出しイメージを展開できるだろうか？そんな問いが思い浮かぶ。スチルライフ(静物)撮影では、レンズ越しに刻まれてゆく微かな印象を頼りに完成時のトーンを求めて試行錯誤を繰り返す。眼に映ったままではぼんやりとしている残像は、記憶とは言いがたく、曖昧であり、あまりにも儚くて脆い。それらの不安定で微弱な像を一つ一つ確かめながらファインダー上でモチーフ(motif)の配置は徐々に変化する。同時にその移り変わりは、光の状況から得られた質感を基にモチーフを組み換えていることに気づく。恐らく、純粋なイメージは、或る未確定な《余地》を介して鮮明になる。

 As a photographer, can I extract various elements from a motif, like a painter, and develop an image? That question comes to mind. In still life photography, I repeatedly experiment, relying on the faint impressions captured through the lens, in search of the desired tone for the finished image. The afterimages that appear before my eyes are vague, ambiguous, and too fragile and ephemeral to be called memories. As I carefully examine each of these unstable, faint images, the arrangement of the motif gradually changes within the viewfinder. At the same time, I realise that this transformation is based on rearranging the motif according to the texture derived from the lighting conditions. Perhaps pure imagery becomes clear through a certain uncertainty.

福西広和：1971年 大阪府生まれ。1991年 京都造形芸術大学洋画科中退。以後、独学で写真撮影を習得。

Hirokazu Fukunishi：

1971 Born in Osaka, Japan

1991 Left Kyoto University of Art and Design before the completion of its oil painting course

and later learned photography on his own

Lives and works in Osaka, Japan

- 個展  

2024年 「双眸の記憶」(安楽寺/和歌山)

            「歴史と写真 Ⅲ」(奈良女子大学)

            「時間からの乖離《クロノスタシスの端緒》」(GALLERY IND./大阪)

2023年 「歴史と写真 II」(奈良女子大学)

2022年 「無韻の詩」(GALLERY  IND./奈良)

            「歴史と写真 I 」(奈良女子大学)

2021年 「解像の零度」(GALLERY IND./奈良)

2020年 「絶え間ない流れの中で」(GALLERY IND./奈良)

2019年「出来事の粒子」(GALLERY IND./奈良)

2018年「物質化された時間」(GALLERY IND./奈良、もずみみはらのアトリエ/大阪)

2017年「凝集する瞬間」 (GALLERY IND./奈良、もずみみはらのアトリエ/大阪)

2015年「予兆」(もずみみはらのアトリエ)

- グループ展

2015年 - 2024年 「ながくてアートフェスティバル」(愛知)

2016年 「ときのかけら と かけらのとき」(もずみみみはらのアトリエ/大阪)

  - Solo Exhibitions

2024 - Memories of Both Eyes (Anrakuji temple/Wakayama)

         - History and Photography Ⅲ (Nara Women's University/Nara)

         - Divergence from Time: The Edge of Chronostasis (GALLERY IND./Osaka)

2023 - History and Photography II (Nara Women's University/Nara)

2022 - Blank Verse (GALLERY IND./Nara)

         - History and Photograph I (Nara Women's University/Nara)

2021 - Seeing, Degree Zero (GALLERY IND./Nara)

2020 - In The Never-ending Flow (GALLERY IND./Nara)

2019 - Particles of The Occurrence (GALLERY IND./Nara)

2018 - Substantialized Time (GALLERY IND./Nara + Mozumimihara-no Atelier/Osaka)

2017 - Cohered Moment (GALLERY IND./Nara + Mozumimihara-no Atelier/Osaka)

2015 - Premonition (Mozumimihana-no Atelier/Osaka)

- Collective Exhibitions

2015 - 2024 - NAGAKUTE Art Festival  (Aichi)

2016 - Tokinokakera To Kakeranotoki (Mozumimihara-no Atelier/Osaka)

グレッグ・カルヴァーシュ個展「エレメンツ」

2025年5月16日(金) - 6月8日 (日) 

16 Fri. May - 8 Sun. June, 2025

Open: 12:30 - 17:00 on Fridays, Saturdays and Sundays

GALLERY IND.では、ペルピニャン(フランス)在住のアーティスト、グレッグ・カルヴァーシュによります写真展「エレメンツ」を開催いたします。

グレッグ・カルヴァーシュは写真、映像、グラッフィク、音楽など様々な分野を跨いで活動するアーティストです。作品構成上の調和、均衡、エネルギー流動は、視覚芸術にも音楽にも共通する要素ですが、彼は、写真を音楽作品として、あるいはプリント作品を写真と音楽との混和物として概念化しようとしており、そのつながりを作品へ取り込み、より高尚な表現を達成しようと努めています。

この作家の感性とヴィジョンを伝えうる視覚言語である写真表現への探求は、19世紀に遡って写真の歴史を探求することへとつながり、結果として、ゼラチンシルバープリント、サイアノタイプ、ヴァンダイク、カロタイプ等の技法を修得するまでに至り、時には蝋と顔料の混合物を自ら手作業で着色した支持体上に印刷するといった混合技法を採用することもあります。これは写真が機械的な複製手段を使うことが主流となった今の時代に、素材やプロセスを自ら操作することで作品の創造に直接関わりたいという作家の意思から発するものです。撮影する瞬間から暗室での現像やプリントを経て作品が完成する瞬間まで、それぞれのイメージが浮かび上がるプロセスを体験し感じることを彼は大切にしています。

本展では、自然界を構成する様々な要素を撮影したシリーズ写真「エレメンツ」の中から、ゼラチンシルバー、サイアノタイプ合わせて二十点余りを弊ギャラリーでのグレッグ・カルヴァーシュ初個展としてご紹介いたします。

 GALLERY IND. is pleased to present ‘Elements’, a photography exhibition by Perpignan (France) based artist Greg Calvache.

 Greg Calvache is an artist working across a number of disciplines, including photography, film, graphics and music. While harmony, balance and energy flow are common elements in both visual art and music, he seeks to conceptualise photography as a work of music, or prints as an admixture of photography and music, and to incorporate these connections into his work to achieve a higher level of expression.

 This exploration of photographic expression as a visual language capable of conveying the artist's sensibility and vision has led him to explore the history of photography going back to the 19th century, resulting in his mastery of techniques such as gelatin silver prints, cyanotypes, van dykes and calotypes, sometimes using a mixture of wax and pigments on his own hand-coloured supports. This is a direct result of the artist's desire to be directly involved in the creation of his work by manipulating the materials and processes himself, at a time when photography is dominated by mechanical reproduction methods. He places great importance on experiencing and feeling the process of each image as it emerges, from the moment of taking the photograph to the moment the work is completed through development and printing in the darkroom.

 In this exhibition, he presents more than 20 gelatin silver and cyanotype works from his series of photographs ‘Elements’, which depict the various elements that make up the natural world, as his first solo exhibition at our gallery.

 Greg Calvache

https://gregorycalvache.wixsite.com

Born in 1977, Lyon, France

Lives and works in Perpignan, France

連携：ミクロプリスム

in cooperation with MICROPRISMES

https://www.microprismes.com

後援：在日フランス大使館 / アンスティチュ・フランセ

 アメリア・スタイン / スティーブン・ローラー / ドミニク・ターナー

「夜と光と薄明かりの」

2025年4月11日(金) - 5月4日 (日) 

会期中の金土日 ＋ 5月5日、6日

12:30 - 17:00 オープン

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  GALLERY IND.では、ダブリン在住のヴィジュアルアーティスト三名によりますグループ展 ”Of Light and Night and Half Light (光と夜と薄明かりの)” を開催いたします。

今回の展示作家は三名ともアイルランド国内外での展示経験が豊富で、2023年に小泉八雲記念館で開催されましたアイルランド・日本交流美術展「怪談 ~ ラフカディオ・ハーンとの邂逅」の企画運営者、出展作家として来日し、日本の歴史、文化への関心、造詣も深いアーティストです。展示作品は、絵画、写真と各々異なりますが、 ‘光’をキーワードに作品の背後で縦横に交差し、それを支える共通の糸を手繰れる機会になればと存じます。光についてこの展覧会タイトルは、アイルランドの詩人WBイェイツの詩集「葦間の風」(1899年)に収録されている詩から採られたもので、扱う対象やテーマは違っても、アイルランド出身のこれら三名のアーティストを結びつける作品の一面に触れています。

 詩：

エードは天の布を望む

私に刺繍を挿した天の布、

金と銀の光で織った、

夜と光と薄明りの、

ブルーとほの白、黒の布があったなら、

私はその布を貴女の足元に敷きましょう、

けれど、私は貧しく、夢だけしかありません。

私は私の夢を貴女の足元に敷きました、

そっと踏んで下さい、貴女は私の夢を踏んでいるのです。

 GALLERY IND. is pleased to present the group exhibition ‘Of Light and Night and Half Light’ by three Dublin-based visual artists.

 Each of the three artists in this exhibition has had numerous exhibitions in Ireland and abroad, and they all are the artists with a deep interest in and knowledge of Japanese culture, history etc., who visited Japan in 2023 as organisers and participants in the Ireland-Japan exchange exhibition ‘KWAIDAN - Encounters with Lafcadio Hearn’ held at Lafcadio Hearn Memorial Museum.

 The works exhibited by the artists in this exhibition are paintings and photographs, each working in a different field, but with ‘Light’ as the keyword, we hope to provide an opportunity to trace the common threads that criss-cross vertically and horizontally that support the works behind them.

 This title line about light comes from a poem by Irish Poet Laureate WB Yeats and refers to an aspect of the work of all the three artists that binds them together even though the subjects and themes may differ. 

 The poem: -

Aedh wishes for the cloths of Heaven

Had I the heavens' embroidered cloths,

Enwrought with golden and silver light,

The blue and the dim and the dark cloths

Of night and light and the half light,

I would spread the cloths under your feet:

But I, being poor, have only my dreams;

I have spread my dreams under your feet;

Tread softly because you tread on my dreams.

＊ 今秋から放送されるＮＨＫの連続テレビ小説「ばけばけ」の先行映像が3月30日にNHK WORLD-JAPANで放映されました。

「ばけばけ」は「怪談」などの著作で知られ、日本の伝統や文化を海外に紹介した明治時代の作家、ラフカディオ・ハーン＝小泉八雲の妻の小泉セツをモデルにしたドラマです。先行映像は下記URLよりご覧いただけます。

https://www3.nhk.or.jp/nhkworld/en/shows/3025201/

'Lafcadio Hearn - A Soul Linking Japan and The World' (NHK WORLD - JAPAN) 

開始2分後辺りから2023年小泉八雲記念館から始まった巡回展「怪談 - ラフカディオ・ハーンとの邂逅 アイルランド・日本交流美術展」のプロデューサー及び参加アーティストのスティーブン・ローラーがインタビューに答えています。

Amelia Stein - Photographer

www.ameliastein.com

Born in Dublin, Ireland in 1958

Lives and works in Dublin, Ireland

Stephen Lawlor - Visual Artist

www.stephenlawlor.com

Born in Dublin, Ireland in 1958

Lives and works in Dublin, Ireland

Dominic Turner - Photographer

www.dominicturner.ie

Born in Belfast, Northern Ireland in 1973

Lives and works in Dublin, Ireland

- 展示作家によるテキスト

2023年奈良でGALLERY IND.のディレクターと話し合う中で、私たちは光が私たちの芸術活動を結びつける共通の糸であるということで意見が一致しました。

その糸について調べる中で、私たちはアイルランドの詩人WBイェイツの詩Aedh wishes for the cloths of Heaven (エードは天の布を望む) に出会いました。

この詩の中には、貧しい詩人の夢と願望を比喩的に反映した、織物の衣服に投げかけられる様々な天の光の描写が含まれています。

この展覧会のタイトル "Of Night and Light and Half Light（夜と光と薄明かりの)"は、イェイツのこの傑作の4行目から引用されています。

日本の作家、谷崎潤一郎が1933年に発表したエッセイ『陰影礼讃』にも、光と闇の微妙な対比についてよく似た記述があります。

谷崎はまた、さまざまな種類の影の重層的な色調と、金の刺繍、手沢、曇った水晶のような光沢の少ない素材を反射する力についても考察し、煌めきと輝きの明暗を注意深く識別しています。

アメリア・スタインによるイメージの創造においては、喪失、記憶、存在のすべてが重要な役割を果たしています。これらの感情すべてに行きわたる光の相互作用は、ある場所を劇場風に作り変える彼女の作品を生み出す上で最も重要です。

スティーブン・ローラーのペインティングは、14世紀から18世紀にかけての西洋絵画の光を時間的に研究したものです。幾重にも重ねられたイメージの中には、様々な姿や形の集合的な記憶が凝縮されており、それが光に照らされ、組み合わされることで、心を揺さぶるような情緒的なムードが生み出されています。

ドミニク・ターナーは、その精巧な作業工程において光をコントロールする間じゅう、彼のイメージが暗闇に消えていくときの感覚をとらえるのに決して近道を選択しません。彼のしばしばミステリアスなイメージの背後にある策略は、光が見せるものよりも、むしろ光が何を見せないかということから生じています。

 - Text from the exhibiting artists;

In our discussions with Gallery IND Director Takuma Yoshikura in Nara Japan in 2023 we agreed that light was the common thread which bound our collective art practices together. 

In researching that thread we came across the poem Aedh wishes for the cloths of Heaven by the Irish poet Laureate WB Yeats. 

Contained within the text is a description of varied celestial light cast upon woven garments which metaphorically reflects the dreams and aspirations of a poor poet. 

The title of this exhibition Of Night and Light and Half Light is appropriated from the fourth line in this masterpiece by Yeats. 

In the 1933 essay In Praise of Shadows by Japanese author Jun’ichiro Tanizaki there is a very similar contrasting of the subtleties of light and dark. 

Tanizaki also considers the layered tones of various kinds of shadows and their power to reflect low sheen materials like gold embroidery, patina and cloudy crystals as he carefully distinguishes 

between the values of gleam and shine. 

Loss, memory and presence all play an important role in the creation of images by Amelia Stein. The interplay of light across all these emotions is paramount in creating her theatrical reinventions of place. 

Stephen Lawlor’s paintings are a temporal investigation into the light of Western painting from the 14th to the 18th centuries. 

Within his layered images is encapsulated a collective memory of shapes and forms that are lit and combined to create a hauntingly emotional mood.

Through the control of light in the process of his craft Dominic Turner takes no shortcuts in capturing feeling as his images fade into darkness. The intrigue behind his often mysterious images, stems more from what the light ignores, rather than what it reveals.

後援 : カルチャー アイルランド

With the support of Culture Ireland

 オリヴィエ・カテ個展「アジア・ストア」

2025年3月7日(金) - 3月30日 (日) 12:30 - 17:00

金土日オープン

7 Fri. March - 30 Sun. March, 2025

Open: 12:30 - 17:00 on Fridays, Saturdays and Sundays

GALLERY IND.では2025年3月7日よりフランス人アーティスト、オリヴィエ・カテによります弊ギャラリーでの三回目の個展「アジア・ストア」を開催いたします。2021年"Contemplations"、2022年"Gardens to visit"に続く本展では、アジア諸国の使用済み梱包輸送用ダンボールにインク、水彩絵の具、色鉛筆、木炭、石墨で描かれた風景画シリーズ"Asia Store"を展示いたします。

このシリーズもオリヴィエ・カテ作品の特徴の一つとなりますノイズ、スピード、建築物など都市の持つダイナミズム、その空間に流れるエネルギーやコミュニケーションのネットワークと自身のインスピレーションを"ジャンク"な支持体に投影した作品群になっています。このシリーズ作品の制作を開始した2022年春には次のような言葉を残しています。

パンデミックは遠ざかったようだった、戦争が始まり、私はぼんやりとした地平線、静かな放浪を望んだ。

雨の日の夢は遠く、

私の小さなアジアン・ストアは角を曲がったところにあった、

確かに私はグルーヴできる。    　　　-

 AのがらくたはBの宝物という言葉さながら、用済みダンボールを独特な感性でアート作品へと再生させるオリヴィエ・カテの"Asia Store"。推進力のあるリズムの中で変化するパターンが生み出す効果やダメージ加工の感触をお楽しみください。

GALLERY IND. is pleased to present ‘Asia Store’, the third solo exhibition at the gallery by French artist Olivier Catté, starting 7 March 2025, following ‘Contemplations’ in 2021 and ‘Gardens to visit’ in 2022. The exhibition will focus on the series ‘Asia Store’, a series of landscape paintings made with ink, watercolour paint, coloured pencil, charcoal and graphit on used food packaging cardboard from Asian countries.

The works in this series are also characterized by Olivier Catté's own inspirations, which are projected onto ‘junk’ supports, along with the noise, speed and dynamism of the city and its architecture, and the energy and communication networks that flow through the space. In the spring of 2022, when he began to work on this project, he said;

The pandemic seemed to be moving away, war was setting in, I wanted blurry horizons, silent wanderings.

Rainy Day Dream away,

My little Asian Store was around the corner,

Sure I can groove.     

- France, Spring 2022

One man's junk is another man's treasure. Olivier Catté's ‘Asia Store’ is a unique and sensible way of transforming waste materials into works of art.

Please enjoy the effects created by the changing patterns in the propulsive rhythm and the feel of damage finishing.

ARTIST STATEMENT

「アジア・ストア」の絵画シリーズは、コロナ後の幾度かに渡る外出制限で、これまでの生活習慣が乱れた2年後に始まりました。これらの外出制限は、慣れた生活リズムを狂わせましたが、私にとっては、物質的なものにとらわれず、制約もほとんどなく、良心的な生活に捧げられた時間となり、有益で実り豊かな、自分自身を満たすことだけを目標にした期間となりました。

ゆっくりと時間が流れる中、私は近所のアジア・ストアの前の舗道に置かれた小さな梱包箱に目を奪われました。それは丁寧にたたまれたまま、リサイクル回収車を待っている様だった。

カラフルで、エキゾチックで、何千キロも旅をして、私の目の前にやってきた箱たち。私の空想と思索を存分に発揮し、自分の限界を超えて考える、新しい経験が約束されたように見えました。私の瞑想のささやかなシンフォニーの中で、インクの走り書きやいたずら書き、鉛筆のストロークなどが、商業ロゴが入ったカラーゾーンで対峙する。 

時空を超えて、物質とエネルギーが、世界と私自身とのつながり、つまり私の意識の反映であるような、抽象的な風景に辿り着くため、全ての要素に立ち向かい、直感的に調和させようとするのが楽しかった。 

 The ‘Asia Store’ series of paintings began after two years in which successive confinements disrupted habits and limited travel. These confinements had the consequence of upsetting the usual rhythm of life. For me, it was a time when only my own self-fulfilment became a goal in itself. A time given over to a life of conscience, a virtual absence of constraints, a useful and fruitful time, disinterested in material things. 

 It was in the midst of all this slowness that my attention was drawn to the small cardboard boxes carefully folded and lying on the pavement in front of my local shop, Asia Store, before the recyclable materials collection vehicle passed by. 

 Colourful, exotic, having travelled thousands of kilometres before landing before my eyes, they appear to me as the promise of new experiences. An opportunity to think beyond my own limits, a medium in which to pour out the reflection of my daydreams and contemplations, and to confront, in modest symphonies, my jets of ink, scribbles, pencil strokes and floating areas of colour with logos and commercial inscriptions. 

 I liked confronting and trying to harmonise all these elements in an intuitive way to end up with abstract landscapes in which space and time, matter and energy are the reflection of my connection between the world and myself, the reflection of my consciousness. 

Olivier Catté  オリヴィエ・カテ

1957年 プティ・ケヴィリ / フランス 生まれ、ルーアン / フランス 在住

Born in 1957 in Petit Quevilly, France

Lives and works in Rouen, France

1977 - 1978 : Ecole des Beaux-arts de Pau.

1979 - 1981 : Institut d’Arts Visuels d’Orléans.

1981 : Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique, département Art.

- recent solo exhibitions

2022 : Gallery IND., Nara, Japan

2021 : Gallery IND., Nara, Japan

2020 : Galerie Lazarew, Paris

           Whoa Art Gallery, Paris

2019 : Galerie Lazarew, Paris

2017 : Galerie Lazarew, Paris

2016 : Galerie Lazarew, Paris

           Galerie Lazarew. Bruxelles

2015 : Galerie Lazarew, Paris

           Galerie Lazarew, Bruxelles

- recent collective exhibitions

2020 : Galerie Lazarew, Paris

           Galerie ３W, Reims

2019 : Galerie Lazarew, Paris

           Galerie ３W, Reims

2018 : Galerie Lazarew, Paris

           Galerie ３W, Reims

           Galerie Galvani, Toulouse

           Galerie One Moment, Paris

2017 : Art 100 Gallery, New York City, U.S.A.

           Galerie t, Düsseldorf

           Centre d'Art International de Tucheng, China

           Galerie Lazarew, Paris 

2016 : Galerie t, Düsseldorf

           Zunyi International Art Center, China

           Köln art Fair, Cologne

           Art 100 Gallery, New York City, U.S.A.

2015 : Galerie Lazaret, Paris